05/07 Sábado
Sobre
Nos horizontes do tempo, cicatrizes desenham as paisagens do corpo, da memória e da terra. Do cerrado à Amazônia, a mineração põe em risco a vida, humana e não humana, extrai e faz pó o belo dos horizontes.
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Era sexta-feira, 25 de janeiro de 2019; sem nenhuma sirene ou aviso, a terra treme. De proporções colossais, a barragem do Córrego do Feijão em Brumadinho se rompe impetuosamente num tsunami tóxico que em poucos minutos soterrou os sonhos, os amores, as vidas de 272 pessoas e 133 hectares de vegetação nativa de Mata Atlântica. Vazio onde um dia foi montanha. A transformação da paisagem é fato refletido no pensamento de Davi Kopenawa, xamã Yanomami, em que na obra A Queda do Céu associa o cair do céu à retirada do chão: “Eles viram ao branco tirar o chão da floresta, com seus enormes tratores para abrir esse caminho (…) Escavação e escavação, brancos ameaçam puxar para cima as raízes do céu que são mantidas no lugar pelo metal de Omama” A mineração, que sustenta séculos de um padrão extrativista colonizador eurocêntrico e patriarcal, desenhou com sangue os mapas do mundo e assim segue. No norte, o garimpo ilegal e a legalidade injusta das grandes multinacionais alteram o curso dos rios e da vida. Há de se lembrar Mariana, 2015, a maior tragédia ambiental da história do país, e quatro anos depois Brumadinho, a maior tragédia humana do Brasil. Em comum as marcas da exploração e da impunidade. No seu e no meu corpo a mineração nos circunda. O celular, o trem, o carro, a bicicleta, o relógio. Buracos de quilômetros em uma paisagem adoecida pela lógica da mercantilização da Terra e da vida. Desde o período colonial o Brasil teve muitas Vilas Ricas, cidades marcadas pelo escoamento de riqueza e pelo impacto causado pela caça ao minério. Mineiro é gentílico e identidade que se forma em deformidade extrativista. E na capital não é diferente. Palco das políticas e decisões judiciais dos maiores crimes socioambientais do país, Belo Horizonte é terra explorada, abraçada numa ironia geológica, por cartões postais de montanhas que sangram. A Serra do Curral materializa no epicentro do poder as paisagens de todo o estado. As memórias afetivas de Drummond denunciam a mudança da paisagem. Como em estado de luto, no poema A montanha pulverizada, ele rememora o Pico do Cauê: um marco da topografia mineira que compunha a paisagem que o poeta avistava de sua janela e que desapareceu. Foi levado por vagões para um porto. O Pico do Cauê era mais uma pedra no meio do caminho. Paisagens mineradas são paisagens entrecortadas de entranhas expostas, camadas de memória do que um dia foi vivo. E vida é um imperativo de transformação: renasce, desobedece, se reinventa. Quando soterradas, viramos sementes. Aqui Paisagens Mineradas é convite a um imaginário de solo fértil. Nessa lama vermelho-sangue semeamos a vida. Em um misto de manifesto, memória e oração, esta exposição reúne 12 mulheres artistas que, feito mãe-terra, se organizam em rede para germinar outras paisagens possíveis. Este projeto é dedicado a todas as vítimas humanas e não humanas de Brumadinho e Mariana e se estende a todos que foram e são impactados pela mineração ao redor do mundo. Isadora Canela e Marina Kilikian Realização: Instituto Camila e Luiz Taliberti
Artistas
Beá Meira (n.1961, Brasil)
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Vive e trabalha em São Paulo. Graduada em Arquitetura e Urbanismo pela FAU – USP (1985). O interesse pela paisagem trouxe para sua poética a investigação sobre o cenário ruinoso de exploração em que estamos imersos. Ao longo de três décadas, trabalhou concebendo práticas pedagógicas e colaborativas através arte, tendo, no entanto, se dedicado de forma cotidiana a anotar reflexões visuais sobre o antropoceno e o violento processo de interação que se instaurou entre as vidas e o ambiente, em seus cadernos de desenho. Em 2018, publicou o livro de artista Cadernos da Beá, lançado na livraria Tapera Taperá, em São Paulo. Em 2021, retorna à pintura e ao aprendizado da técnica de litogravura, no Museu Lasar Segall, com orientação de Paulo Camilo Penna, e de mokolito, no atelier de Helena Feddi. Participou da exposição Cadernos de Artista (2023) na Lona Galeria de Arte,Obra Afeto(2022) eDesenho (2019), no Instituto Pavão Cultural, em Campinas, Exposição Nosso Labirinto e Seus Ecos, no Itaú Cultural, São Paulo, (2019), Exposição Há escolas que são gaiolas e há escolas que são asas,no Museu de Arte do Rio – MAR, Rio de Janeiro (2014), Exposição Encontro do céu e da terra, no Museu de Arte Contemporânea Itajahy Martins, Botucatu (2004), Exposição Lugares ligados,no Conjunto Cultural da Caixa, em São Paulo (2003), entre outras.
Coletivo Kujỹ Ete Marytykwa’awa
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Kujy Ete Marytykwa’awa. Surge como iniciativa de Mulheres Indígenas Awaete em união à Mulheres Iarakynga, ou não indígenas, com a proposta da ampliação do diálogo, da troca de saberes e práticas entre os povos, reescrevendo o contato que não é, nunca foi e nunca será uma opção. Assim, nos conectamos numa rede de cooperação, com fluxos energéticos focados na construção social coletiva e o despertar da consciência humana a partir da (re)conexão com povos das águas, terras e florestas. Como um bom sistema agroflorestal, reconhecendo a potência da diversidade quando se tem um sistema equilibrado. Aqui, buscamos encontrar e cocriar caminhos de conexão de territórios para facilitação de conhecimentos e experiências.Murapijawa Assurini. Filha mais velha de Matuja com Itakyri. Mãe de 8, incluindo Majawa, Assassa, Kumana e Uame. Artista, pintora, ceramista e tecelã tem o desafio de aprender cada vez mais sua cultura para dar continuidade ao legado ancestral de sua família, seu povo e as futuras gerações.Constelar Ancestral – Rede Cocriativa entre os Povos da Floresta.Nossa rede é formada por energias vitais multiétnicas conectadas pelo propósito de fortalecer nossa ancestralidade a partir da cocriação de caminhos éticos, decoloniais e regenerativos. O coletivo vem legitimar a união de diversos povos e culturas, reconhecendo o papel de todos na biodiversidade e equilíbrio da floresta. Dentre as atividades cocriadas pela rede estão os projetos de educação patrimonial e residência artística com os coletivos Marytykwawara e Kujy Ete e com o Instituto Janeraka. Destacam-se os projetos “Constelar Ancestral – I Circuito de Residência Artística entre Povos Verdadeiros da Floresta” e “Constelar Ancestral – I Circuito de Residência Artística entre Mulheres Verdadeiras da Floresta”, corridos entre os estados do Pará e Acre, selecionados na 1ª Edição do Prêmio Museu é Mundo (2021) e no Edital dos Povos Indígenas (2022) do Fundocasa Socioambiental. O projeto surgiu da demanda de intercâmbio interétnico entre povos e o fortalecimento de suas resistências a partir da reflexão e prática da ética e decoloniedade nos processos regenerativos e cocriativos. Focando no pensamento crítico para um protagonismo com consciência de classe estruturas de poder a serem mediadas para a prática dos direitos dos povos originários nessa relação e em sua produção cultural. O objetivo é fomentar o fortalecimento de artistas originários no diálogo e enfrentamento de suas resistências étnicas na atualidade a partir de trocas artísticas sobre suas culturas, realidades, direitos e a saúde física, mental e espiritual na guerra Socioambiental.
Isadora Canela
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Isadora Canela é uma artista de Brumadinho, MG que se dedica a pesquisar sobre decolonização do pensamento, da terra, dos povos e dos corpos no contexto do Antropoceno, especialmente focada nas consequências da mineração vivida em seu dia a dia, buscando semear outros imaginários possíveis a partir do encontro. Suas obras e poética brincam com elementos orgânicos, tecnológicos e industriais. Como artista, pesquisadora e ativista desenvolve projetos entre o sul e norte globais que reivindicam a horizontalidade e a criação coletiva para um futuro compartilhado além das fronteiras físicas e metafóricas com colaborações interculturais e interespécies. Recentemente participou de exposições, conferências e residências artísticas em Berlim, Munique, Croácia, São Paulo, África do Sul, entre outros, com destaque para a participação na Documenta Summerschool em Kassel 2022. Idealizou junto ao Instituto Camila e Luiz Taliberti a exposição aqui apresentada, “Paisagens Mineradas”, a qual assina a co-curadoria e endossa o grupo de 10 artistas que apresentam suas obras.
Isis Medeiros
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Isis Medeiros é fotógrafa popular dedicada ao fotojornalismo e à fotografia documental. Seu olhar crítico busca denunciar negligência e descaso como o das mineradoras em Minas Gerais. Engajada na luta e empoderamento das mulheres, descortina em seu trabalho as violências do Estado e as violações de direitos humanos. Realizou o projeto Mulheres Cabulosas da História e recebeu prêmio Clara Zetkin, de “mulher com iniciativa transformadora”.
Seus inúmeros trabalhos já foram publicados pela National Geografic, Folha de S. Paulo, The Intercept, BBC News, El País, Mongabay, Huffpost, Greenpeace, Jornal Brasil de Fato e Revista Cláudia.
Seus trabalhos já circularam em inúmeras exposições individuais e coletivas no Brasil; além de países como EUA, Canadá, França, Portugal e Espanha.
Em 2020 lançou seu primeiro fotolivro com título ‘15:30’ ; uma leitura visual dos desdobramentos do crime da mineração ocorrido na cidade de Mariana (2015), que atingiu toda Bacia do Rio Doce e o litoral do Espírito Santo. Seu trabalho foi incluído no projeto ‘Testemunha Ocular’, como uma das fotojornalistas de maior destaque no país.
Júlia Pontés
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Júlia Pontés é uma fotógrafa, artista visual e pesquisadora mineira cujo trabalho e pesquisa se concentram principalmente no extrativismo e nas explorações mineiras no Brasil.
Seu trabalho é frequentemente exibido em colaboração com movimentos sociais, universidades e espaços de exposição independentes para aumentar a conscientização sobre o impacto da mineração no Brasil.
Ele já foi reconhecido com bolsas e prêmios nos Estados Unidos por Anonymous was a Woman, Visura, National Geographic Society, Planetary Health Alliance da Universidade de Harvard, Blue Earth Alliance, Center Santa Fe, Santa Fe Art Institute e New York Foundation for the Arts. E foi exibido e publicado em diversos países como Brasil, EUA, Portugal, Espanha, Argentina, França, Alemanha e Guatemala.
Júlia é colaboradora do MAM – Movimento pela Soberania Popular na Mineração e especializou-se em Direito e Economia pela Universidad Torcuato di Tella na Argentina; ela possui certificado em fotografia pelo Centro Internacional de Fotografia (I.C.P.) em Nova York. Ela é professora de fotografia na Montclair State University em Nova Jersey e na Columbia University, onde recebeu seu M.F.A. em Artes Visuais.
Ela está trabalhando em seu novo projeto chamado env-IRON-ment, financiado pela Anonymous Was a Woman/NYFA e patrocinado fiscalmente pela Blue Earth Alliance/CENTER. Júlia viajou 21.000 quilômetros pelos EUA documentando minas de ferro ativas, ociosas e antigas em 20 estados diferentes. Júlia recentemente fez parte da residência do Santa Fe Art Institute, com enfoque em Mudanças Climáticas.
Lis Haddad
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Lis Haddad é artista multidisciplinar, pesquisa os conceitos de paisagens domésticas x paisagens indomesticáveis – literais ou metafóricas – e os movimentos que ocorrem nos corpos quando há perda das paisagens afetivas, seja por exílio ou pela remodelação do ambiente por imposições extrativistas do capital.
Entre as exposições destacam-se a Bienal de Florença 2023, Over (the) Mine (Munique, 2022), Water Bodies (Berlim, 2022), Tramas da Memória (MAO, BH, 2022) e a individual A pele é o mais profundo (MuMo, BH, 2016). Participou como artista residente dos programas AIR-München e Projekthof-Karnitz (DE, 2022); foi aluna convidada da Akademie der Bildenden Künst München em 2022 e artista colaboradora na Universidade de Augsburg no projeto Understanding of and intervening in an ethnological collection a convite do Prof. Ernst Wagner. É parte do painel transnacional da rede Exploring Visual Cultures que atua nas áreas de educação artística, arte, estudos de culturas visuais/antropologia cultural.
Keyla Sobral
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Artista Visual, Doutora e Mestre em Artes pela Universidade Federal do Pará. Atua ainda como curadora independente, sendo atual curadora adjunta da Coleção Amazoniana de Arte da UFPA; curadora adjunta do Arte Pará 2019 (Exposição Deslendário Amazônico). Como artista tem participado de exposições e projetos no Brasil e no exterior, como: Aqui tá fazendo calor, Belém, 2024; Bienal da Amazônias, Belém, 2023; Amazônia Presente, Museu Casa das Onze Janelas, 2023; Festival ON/OFF, França, 2023; Programa Pivô Satélite, Bel-SP, 2023; Eu, mesmo sem farol, segui, Espaço Cultural Silveira Athias, Belém, 2023; Matéria Difusa, um olhar sobre a coleção MACRS, Rio Grande do Sul, 2022; Prêmio Diário Contemporâneo de Fotografia, 2021; Praia, Galeria da Gávea, Rio de Janeiro. 2019; Triangular arte deste Século, Casa da Cultura da América Latina, da Universidade de Brasília, Brasília, 2019; Prêmio Diário Contemporâneo de Fotografia, Museu do Estado do Pará, 2019; Salão Arte Pará 2019, Deslendário Amazônico. Museu do Estado do Pará, 2019; Experiência Vertigem, Museu da UFPA, Belém 2019; Outra Margem Outro Um, Casa das Artes, Belém, 2018; O Designo e a Matéria (Sesc Juazeiro do Norte, Alagoas e Fortaleza) – 2018; Salão Arte Pará – 2017; Prêmio Diário Contemporâneo de Fotografia – 2017, 2014 e 2011; O Designo e a Matéria (Sesc Palmas e São Paulo) – 2017; No Limite/ Am Limit, Museu da UFPA – 2017; Extremos, Galeria Guaçuí, Juiz de Fora – 2017; Amazonian Video Art, The Centre for Contemporary Arts – Glasgow, Escócia – 2016; Para ver se o tempo volta,Galeria Fauna, São Paulo, 2015; Alastramento, Ateliê 397, São Paulo, 2015; Meu Coração (Teu) Território, projeto premiado com o edital Bolsa FUNARTE de Artes Visuais 2014 – 2015, entre outros. Entre Premiações, Bolsas e Residências, destaca: Prêmio Bolsa de Pesquisa e Criação da Fundação Cultural do Pará (2018), Menção Honrosa no 35º Salão Arte Pará 2016, Bolsa Funarte de Estímulo à Produção em Artes Visuais – 2014; Residência Artística do Centro Cultural São Paulo, sendo realizado no Instituto Hilda Hilst e Atelier Aberto em Campinas – SP – 2014; Bolsa de pesquisa, criação e experimentação – Instituto de Artes do Pará – 2014; Prêmio Mídias Locativas Vivo Art Mov Eco Região Amazônica – 2012; Prêmio Aquisição Salão Pequenos Formatos Unama – PA – 2012; Prêmio Aquisição do Salão Arte Pará – 2011; Bolsa de Pesquisa, Criação e Experimentação – Instituto de Artes do Pará – 2011; Bolsa de Pesquisa em Arte da Fundação Ipiranga – 2009; Bolsa de Residência artistica – IAP + Kunsthaus; Alemanha- 2006. Mapeada pelo projeto RUMOS ITAÚ CULTURAL – 2005/2006. Presença em Coleções: Casa da Cultura da América Latina, Museu de Arte do Rio Grande do Sul, Sesc Nacional, Amazoniana de Arte, Museu Casa das Onze Janelas e Fundo Z. É autora do livro ‘Nunca falei tão sério”, lançado em 2023 pela editora Urutau.
Luana Vitra
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Luana Vitra (Contagem, MG, Brasil, 1995) nasceu e cresceu no estado de Minas Gerais, numa região conhecida por paisagens naturais monumentais e marcada de modo profundo pelas atividades industriais da mineração. Experimentou desde sempre, portanto, as diversas manifestações possíveis do ferro e da fuligem. Gestada entre a marcenaria — pelo lado do pai — e o manejo das palavras — pela parte da mãe —, sua prática parte de processos que reconhecem as qualidades físicas e os contornos sutis da matéria, e investigam a infusão psicoemocional das paisagens. A partir de composições realizadas com uma ampla gama de materiais, seus objetos e instalações reconfiguram símbolos universais e elaboram outros, especialmente investidos nas qualidades da matéria, evocando poesia, discutindo subjetividades e suscitando questionamentos políticos. Seus trabalhos já foram apresentados em espaços como a 35ª Bienal de São Paulo (Brasil), Instituto Inhotim (Brasil), MAM- Rio (Brasil), South London Gallery (Inglaterra), MASP (Brasil), Javett Up (Pretoria, África do Sul) e Framer Framed (Amsterdã, Holanda).
Mari de Sá
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Artísta Visual, formada pela Faculdade “Belas Artes de São Paulo, ativista, tem seus trabalhos focados em causas sociais tendo como objeto principal ” livro de artista. Em suas obras dá preferencia a uso de materias primas local fomentando e estimulando a artesania como forma de arte comunitária.
Shirley Krenak
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Uma pessoa “desassossegada”. É assim que se descreve a ativista e educadora Shirley Djukurnã Krenak. Envolvida com a luta de seu povo desde a adolescência, quando acompanhava o pai, o também ativista Waldemar Itchó Itchó Krenak, em palestras e outras atividades de conscientização nas escolas da região, Shirley desenvolveu uma trajetória que vem se desdobrando em diversas frentes, como um rio que se multiplica à medida que ruma em direção ao mar.
Residentes da Mata Atlântica desde muitos séculos, os Krenak possuem, hoje, parte de seu território original demarcado ao longo da margem esquerda do Rio Doce, na região leste de Minas Gerais. Como tantos outros povos indígenas que sofrem as violências das práticas colonizadoras de forma continuada e implacável, conquistaram o direito constitucional a esse território com muita luta, em um processo desgastante que ainda deixa marcas. Na fala de Shirley, é possível perceber certa fadiga em relação a esses embates de tanto tempo, mas não um abatimento.
“Se você olhar o histórico de luta do povo Krenak, vai ver que essa luta é muito extensa, mas também é grandiosa. E quando nós nascemos dentro desse povo, crescemos dentro desse processo de luta. Mesmo diante de retrocessos, mesmo diante de racismo, mesmo diante de violências corporais e violências psicológicas que todo o povo indígena sofre, o enraizamento ancestral do seu povo faz com que você tenha um crescimento muito amplo. E eu nunca parei de acreditar. Defendo meu povo e falo sobre ele com as pessoas: falo sobre o que é ser Krenak, quem é o povo Krenak, o que o povo Krenak defende. Ecoar a história do seu povo é um processo de fortalecimento e de crescimento espiritual muito grande”.
A relação dos Krenak com a terra e com os rios torna incontornável a menção a um capítulo triste e recente da história nacional, quando, em novembro de 2015, o rompimento de uma barragem de mineração em Bento Rodrigues, vilarejo pertencente ao município de Mariana, resultou em uma catástrofe ambiental sem precedentes, despejando toneladas e toneladas de rejeitos altamente poluentes na bacia do Rio Doce (a quem eles chamam de Watú). “Foi um estupro a céu aberto esse crime”, define Shirley, sem pudor na escolha dos termos. “Toda vez que chove, o Watú é novamente soterrado. Hoje o rio é uma cicatriz no território. Esse é um dos maiores crimes ambientais da história e ninguém fala mais nele”.
O impacto do desastre para os Krenak – impossível de mensurar, mas possível de sentir nas palavras de Shirley – acaba por reforçar, em vias trágicas, a importância de uma conscientização ambiental coletiva e da mudança urgente de um modo de vida que reconsidere a nossa relação com a mãe-terra. Para a ativista, os principais caminhos para alcançar esses propósitos passam pela educação e pelo desenvolvimento de ações capazes de integrar diferentes públicos e grupos.
À frente do Instituto Shirley Djukurnã Krenak, Shirley trabalha em diversos espaços, entre escolas, universidades e projetos sócio-culturais, levando não apenas histórias indígenas – e um contraponto à educação tradicional –, mas também os valores de coletividade que aprendeu com seus mais velhos. Pensar a vida como uma trajetória de aprendizado contínuo com os anciãos, com a comunidade e com o território é, também, uma possibilidade de manutenção de nossa vida na Terra, como nos conta. E pensar essas formas de sobreviver em harmonia com o planeta envolvem, invariavelmente, um compromisso com a educação ambiental: pensar ferramentas pedagógicas para despertar, nas crianças, a sensibilidade para uma vida coletiva.
Tantas frentes de trabalho fazem jus a seu nome: Djukurnã representa uma mulher sempre disposta, pois carrega um espírito que nunca envelhece. Na entrevista a seguir, Shirley Krenak compartilha conosco momentos de sua trajetória e defende um ativismo que toma forma em práticas educativas centradas não somente em apresentar ou explicar, mas em sensibilizar e construir conexões capazes de curar e de mobilizar.
Silvia Noronha
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Silvia Noronha (n. 1984, Belo Horizonte, Brasil) vive e trabalha em Berlim.
Em suas esculturas e instalações, incorpora uma vasta gama de componentes do solo, incluindo terra, argila, vidro, resíduos eletrônicos e plástico. Noronha procura envolver-se com a agência da matéria em um processo participativo e de compartilhamento. Desde 2015, a artista se interessa pelo que nomeia geologia especulativa – um processo pseudo-científico onde entende o solo como mídia que concentra informações multidimensionais, especialmente sobre o tempo. Por sua pesquisa e obra com o tema destacam-se os prêmios: “Neukölln Kunstpreis” (2023), “Kummer-Vanotti-Stiftung Environment and Art Award” (2022) e o “Recherchestipendien” do Senado e Departamento de Cultura de Berlim (2020). Seu trabalho “O Futuro das Pedras – especulação sobre matéria contaminada” em resposta ao Crime Ambiental em Mariana – MG foi premiado com o “Elsa Neumann Stipendium” do Estado de Berlim (2019) e com “Mart Stam Preis” (2016).
Noronha participou de exposições na Johannesburg Art Gallery (2023), Galerie im Körnerpark, Berlim (2023), Berlin Art Week (2023), Center for Craft, Carolina do Norte (2023), The 5th Floor, Tóquio (2023), Kunstquartier Bethanien, Berlim (2022, 2020, 2017), Kunstverein Göttingen (2022), kunsthaus Dresden, Municipal Gallery for Contemporary Art (2021), entre outras.
Coletivo ASA (Associação de Senhoras Artesãs de Ouro Preto)
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Fundada em 2008 por um grupo de amigas apaixonadas por arte têxtil, a Associação das Senhoras Artesãs é um espaço de encontro e trocas de experiências, unindo o interesse comum pelo uso criativo de tecidos, agulhas e linhas. Com foco na produção artesanal, o Coletivo ASA busca preservar e promover a identidade cultural por meio de bordados e trabalhos manuais.
